Stage aperto a utenti esterni per un lavoro intensivo sulla danza contemporanea condotto da Roberto Olivan, danzatore e coreografo di fama internazionale.

Dopo un lavoro preparatorio sulla respirazione, la gravità ed il ritmo, lo stage verterà sulla ricerca di un movimento fluido e leggero che possa portare a raggiungere un proprio stile e una propria libertà di espressione corporea, a terra e in verticale, e all’esecuzione di una serie di sequenze.

Danzatore e coreografo di fama internazionale,Roberto Olivar si è formato presso l’istituto di teatro di Barcellona ed in seguito presso la prestigiosa scuola di danza PARTS (Performing Arts Research and Training Studios) a Bruxelles.

Ha ballato sotto la direzione di Robert Wilson, Trisa Brown e Anne Teresa de Keersmaeker, Josse de Pauw e Tom Jansen.

Nel 2001 forma la sua compagnia, Enclave Dance Company con la quale crea, come coreografo e interprete, diversi spettacoli.

“Homeland“ la sua ultima piece unisce il mondo della danza al mondo del circo. Ciò che si riflette nelle creazioni di Roberto Olivan è una sua singolare visione della danza e la necessità di instaurare un dialogo con altre discipline artistiche.

Ha creato opere per la National University of di Seoul, l’Ensemble Walpurgis in Belgio, la Vertigo Dance Company di Israele, la Iceland Dance Company, il Galician Choreographic Center, l’ESAC (Ecole Superior des Arts du Cirque, Belgio) e ottenuto coproduzioni da CAER (Centre de Performing Arts of Reus, Spagna) e Mercat de les Flors di Barcellona, tra gli altri.

È direttore artistico del Deltebre Dansa Festival di Tortosa (Spagna).

La scuola di circo FLIC negli ultimi anni si è affermata come importante centro di studi internazionale legato al movimento grazie anche all’ampliamento della propria offerta formativa attraverso l’organizzazione di molti stages con formatori esterni altamente qualificati.

Stage di approfondimento sulle discipline circensi (verticalismo, giocoleria, mano a mano, trapezio ballant, equilibrismo) ma anche sulla danza nelle sue forme più contemporanee (break dance, hip hop…) e sulla recitazione (attore di circo, clown, uso delle maschere).

Gli stage sono affidati ad insegnanti provenienti dalle più importanti scuole di circo d’Europa (Esac, Chalon, Le Lido, Carampa, ecc..), ad insegnanti di danza della scuola belga P.A.R.T.S., ad ex-allievi della Scuola e ad eccellenti artisti internazionali legati al mondo del circo contemporaneo, della musica e del teatro fisico.

Nelle giornate del 19 e 20 maggio 2012
Scuola di Circo FLIC – Via Magenta, 11 – TORINO

Gli stage si svolgono nei week-end e sono rivolti sia a professionisti che a principianti.

Oltre al biennio professionale e agli stage la FLIC organizza anche molti corsi amatoriali per grandi e piccini.

Fonte immagine: esloveniacorazon.si

A Massa (Ms),dal  4 al 7 luglio 2012 il VII° Stage e Concorso Internazionale di Danza.

Premi in denaro, onore e la possibilità di essere uno dei prossimi docenti ufficiali della quarta edizione di Milano Danza Expo,il Salone Internazionale della Danza.

Al Festival Ballet stage, gare coreografiche, battle con Daniele Baldi, Alice Cimoroni, Sally Sly, Ilenja Rossi, Massi,Gus Bembery, Michael Fields, Barbara La B.

Il terremoto hip hop scuote il Festival Ballet.

Il Concorso Stage e Internazionale di danza è la nuova frontiera degli street dancers di tutta Italia.

Si chiama Hip Hop Competition&Stage, l’esplosiva competizione che porterà, dal 4 al 7 luglio a Marina di Massa (Ms), i più straordinari e creativi ballerini, dai neodancers a chi vive ormai la danza come una ragione d’esistenza. Le iscrizioni sono ufficialmente aperte

Organizzato con il Patrocinio della Provincia di Massa Carrara, Comune di Massa, Fondazione Cassa Risparmio di Carrara, Endas, Afaph e di importanti scuole e accademie internazionali, sponsor tecnici e media specializzati, al Festival Ballet è possibile partecipare a stage attraverso la formula all inclusive open card oppure singole lezioni.

Non solo mezze punte e calzamaglia, il Festival Ballet di Simone Ranieri è l’appuntamento di riferimento del mondo urban.

Wacking, poppin’, old e new style per una serie di lezioni con i migliori docenti del settore per tutti i livelli di difficoltà.

E allora, da chi imparare i passi più cool e riproporli sulla scena in occasione della finalissima?

C’è solo l’imbarazzo della scelta. Pronti? Via: Ilenja Rossi – testimonial della Everlast, ballerina Rai, coreografa pluripremiata nei maggiori concorsi di italiani – a trasmettere tutta la verve del new style. Direttamente dai videoclip dell’acclamato e discusso rapper Fabri Fibra, Massy, il talentuoso dancer nostrano premiato dall’European Dance Project.

Ed ancora per il genere new style, Alice Cimoroni, Daniele Baldi, attualmente docente ospite di “Amici” di Maria De Filippi,ed il “Re”, Gus Bembery, coreografo di Los Angeles che vanta, tra le sue numerose collaborazioni, quelle con Madonna e Michael Jackson.

In pedana troviamo anche Barbara La B. a svelare i segreti del wacking per tutti quei giovani aspiranti determinati a raggiungere la vetta della competizione, e Sally Sly, forgiato dalle innumerevoli battles nei festival di grande richiamo, da Firenze a Losanna. Sally Sly insieme a Michael Fields sono i volti nuovi della settimana edizione del Festival Ballet.

Ed ora, dancers di tutta Italia, tenetevi forte! Oltre ai premi in denaro e letarghe destinate al terzetto meritevole del podio, il giudizio della giuriasarà fondamentale – forse decisivo – per la carriera di uno ed uno soltanto dei partecipanti: in palio l’irripetibile opportunità di essere scelti per partecipare in qualità di professionista all’edizione 2012 di Milano Danza Expo, il Salone Internazionale della Danza in programma al Parco Esposizioni Novegro dal 23 al 25 Novembre.

Balla fino alla fine del mondo. Balla con il Festival Ballet.

Per la prima volta a Cesena, il Balletto dell’Esperia presenta, nell’ambito della Stagione Danza del Teatro Bonci, un programma composto da due pezzi di Paolo Mohovich, coreografo principale e direttore artistico della formazione, e da uno di Jacopo Godani, coreografo-danzatore e collaboratore di William Forsythe.

Appuntamento sabato 28 aprile alle ore 21 con Corpi d’anima – Serata Godani/ Mohovich.

Le musiche sono dei 48 Nord – duo tedesco di musica contemporanea elettronica, di Bach, in una vecchia incisione eseguita dal violoncellista catalano Pau Casals, e del gruppo pop-rock inglese Blur.

Il Balletto dell’Esperia è la compagnia torinese premiata nel 2010 dalla rivista Danza; come “miglior progetto italiano” per lo spettacolo Trittico ’900: in una decina d’anni d’attività, si è imposta come uno dei più interessanti ensemble di danza contemporanea a base classica, riscuotendo successi in Italia, Spagna, Francia, Turchia, Cipro, Argentina, Uruguay, Brasile, Perù e Stati Uniti.

Paolo Mohovich, coreografo principale e direttore artistico, crea per i suoi danzatori pièces originali, ma commissiona anche coreografie firmate, in esclusiva per la compagnia, da altri artisti: una modalità produttiva piuttosto rara in Italia, analoga a quelle delle maggiori realtà europee impegnate nella diffusione della coreografia contemporanea.

“danza ad alto voltaggio in cui i membri della compagnia danno il massimo”
Sergio Trombetta, Danza; Danza

JACOPO GODANI ha frequentato la Scuola Internazionale di Danza Mudra di Bruxelles, diretta da Maurice Béjart.

Allievo, danzatore e collaboratore di William Forsythe, ha creato opere originali per il Ballett Frankfurt, Rotterdamse Dansgroep, IT DANSA di Barcellona, Ballett Nurnberg, Sweden’s Goteborg Ballet, Karlsruhe Oper Ballet, Royal Ballet Covent Garden di Londra, Nederlands Dans Theater 2, Ballett des Landstheater Linz, Ballet du Rhin in Francia, la Compañía Nacional de Danza, Les Ballets de Montecarlo, Aterballetto, Balletto del Teatro alla Scala.

PAOLO MOHOVICH ha lavorato come danzatore a Madrid con il Ballet de Victor Ullate e con il Ballet di Saragozza, a Firenze con il Balletto di Toscana.

Due volte Prix Volinine di Coreografia a Parigi, ha creato fino ad oggi circa 40 coreografie per il Balletto dell’Esperia e altre compagnie, fra cui la Maximum Dance Company di Miami, il Balletto di Toscana, il Ballet di Saragozza, il Centre Coreografic de la Comunitat Valenciana, il Centro Dramatico de Aragon, l’Astra Roma Ballet e la Miami Contemporary Dance Company.

Fonte immagine: danzateatro.net

Domenica 1 aprile alle 21 al Teatro Rasi andranno in scena gli spettacoli Joseph del performer Alessandro Sciarroni e Spic & Span di foscarini:nardin:dagostin (questi ultimi vincitori della segnalazione speciale al Premio Scenario 2011).

In Joseph in scena c’è un uomo, solo, di spalle al pubblico per l’intera durata della performance.

Lo spettatore viene così accolto in una sorta di danza della solitudine, priva però di autismo e compiacimento, dove Alessandro Sciarroni compie azioni apparentemente vuote, legate all’uso quotidiano della webcam e del computer, il cui desktop è proiettato su uno schermo gigante.

La prima metà del lavoro è giocata sugli effetti di manipolazione e distorsione della propria immagine, con il risultato di una danza immaginaria che vede il suo corpo contorcersi come una girandola, o deformare delle parti, trasformandosi in strani oggetti bimorfi.

La seconda parte del lavoro è giocata on-line, su Chatroulette, un programma che connette casualmente due utenti qualunque, i quali hanno la possibilità di restare o passare all’utente successivo.

Voyeurismo, masturbazione o semplice curiosità – sono queste di solito le pulsioni che spingono le persone a connettersi – devono così fare i conti con l’incredulità di trovarsi catapultati dentro uno spettacolo dove anche il pubblico dietro Sciarroni diventa visibile online.

In pochi dall’altro capo della rete capiscono che cosa stia accadendo, ma più di uno resta calamitato dall’imprevisto di ritrovarsi – tra tante facce inermi e qualche corpo nudo – in una situazione improbabile e buffa (possono pertanto apparire scene sessualmente esplicite in maniera indipendente dalla volontà dell’autore).

Un lavoro in cui si nasconde tutta la solitudine della nostra epoca di cui lo schermo del computer, con la sua promessa di “socialità”, è al contempo lo specchio più fedele e la chimera più feroce.

Sciarroni, il cui lavoro è prodotto dal Teatro Stabile delle Marche, ha vinto nel 2008 il premio “Nuove Sensibilità”, con lo spettacolo If I Was Madonna.

Spic & Span è un lavoro sulla bellezza e sul suo contrario.

Il nome del coloratissimo detersivo, famoso nelle case di tutto il mondo, deriva da un’espressione che i marinai usavano per definire una nave “tirata a lucido”.

Così come “tirata a lucido” è la danza da cui partono i tre protagonisti in scena – Francesca Foscarini, Giorgia Nardin e Marco D’Agostin – basata su un’estrema perfezione formale ma destinata a sporcarsi. L’obiettivo del lavoro è infatti quello di denunciare l’impossibilità dell’arte di affrancarsi dal sentimento.

E lo spettacolo prende infatti corpo quando la pulizia e la simmetria iniziano a essere traditi e, cercando una seriosità improbabile, i tre innescano un gioco grottesco che spinge alla partecipazione emotiva.

Vincitore della segnalazione speciale al Premio Scenario 2011 rappresenta, come si legge nelle motivazioni della giuria, “la rincorsa a un astratto modello di bellezza che azzera ogni differenza e riduce tutti i corpi a macchinette impazzite, portando così a una riflessione sulla persistenza e sulla vuotezza dell’immagine (…)”.

Ritmo, precisione e forza iconografica su un fondo bianco danno allo spettacolo un sapore di fumetto pop “e si nutrono di un immaginario non solo contemporaneo nella creazione di figure e pose, scelte musicali e sapienza compositiva”.

Il fortunato incontro tra i tre giovanissimi coreografi è avvenuto nell’ambito di un workshop del coreografo e danzatore Emio Greco, durante il quale è nata l’idea del progetto Spic & Span.

Fonte immagine: ravenna24ore.it

Per la prima volta a Cesena, la Scuola di Ballo dell’Accademia Teatro alla Scala presenta domenica 1 aprile 2012 (ore 21), nell’ambito della Stagione Danza del Teatro Bonci, un programma che attraversa la storia del balletto.

Un viaggio dal favoloso Ottocento tardo-romantico dei balletti di Marius Petipa fino al Novecento di Jiří Kylián, Roland Petit, Angelin Preljocaj.

Lo spettacolo prevede in apertura Evening Songs creato nel 1987 da Jiří Kylián, artista di origine ceca indiscusso protagonista della danza contemporanea, anima del Nederlands Dans Theater sin dal 1973.

Il balletto, per tre coppie di danzatori, introduce elementi di danza folk sulle note di Čtyři sbory (Four Choruses) op. 29 e di V přirodě (In Nature’s Realm) op. 63 di Antonin Dvorák. Come era già avvenuto nel 1978 con Sinfonietta su musiche di Janacek, Kylián sceglie composizioni di un celebre connazionale per accompagnare una sua creazione.

I costumi, disegnati dallo stesso Kylián, con Joke Visser, prevedono per le ballerine delle ampie gonne che sulla scena vanno a comporre forme suggestive.

Segue Larmes blanches creazione del 1985 di Angelin Preljocaj. Su un palcoscenico avvolto dal buio due coppie di danzatori evocano le trappole della vita quotidiana in cui scivolano le relazioni amorose, alternando gesti meccanici e spezzati a movimenti più rotondi e sinuosi.

Il contrasto fra suoni ansiogeni, prodotti da voci distorte e dall’insistente ticchettio di un metronomo, e l’elegante atmosfera barocca delle musiche di Bach, Balbastre e Purcell risalta anche nei costumi, neri pantaloni lucidi e stretti abbinati a morbide camicie bianche dagli ampi jabots.

Quindi un omaggio a Roland Petit con l’interpretazione di Gymnopédie, creato dal grande coreografo francese per il balletto Nazionale di Marsiglia sugli omonimi tre pezzi per pianoforte di Erik Satie.

Gymnopédie nacque inizialmente per Ma Pavlova, del 1986, e venne poi sviluppato per Tout Satie, spettacolo – o dance concert, come lo chiamava Petit, – in un solo atto, del 1988.

Si chiude con un vero classico, Il Regno delle ombre da La Bayadère di Marius Petipa, creazione del 1877 con le musiche di Ludwig Minkus. La coreografia costituisce un caposaldo del repertorio romantico in cui particolarmente vivo è il gusto per l’esotismo, il soprannaturale e il sentimentalismo.

La Scuola di Ballo è divenuta negli anni un privilegiato “vivaio” per il Corpo di Ballo del Teatro alla Scala e per le più importanti compagnie in Italia e all’estero, grazie alla preparazione completa che i ballerini ricevono dai maestri scaligeri e dai masterclass di coreografi e danzatori di fama internazionale come Vladimir Derevianko, Nanette Glushak, Cynthia Harvey, Patricia Neary, Angelin Preljocaj, Suki Schorer, Aaron Watkin.

Inoltre, la possibilità di interpretare in Italia e all’estero alcune delle più note coreografie della danza contemporanea, come le creazioni di George Balanchine, Matz Ek, William Forsythe, Jiří Kylián, che vengono eccezionalmente concesse alla Scuola, consente agli allievi di padroneggiare un repertorio sempre più ampio e diversificato.

Fra le étoile diplomate in ACCADEMIA, Carla Fracci, Luciana Savignano, Roberto Bolle, Massimo Murru, Marta Romagna e Gabriele Corrado.

La Scuola di Ballo rappresenta il cuore del Dipartimento Danza, uno dei quattro dipartimenti in cui si articola l’ampia offerta formativa dell’Accademia Teatro alla Scala: Musica, Palcoscenico-Laboratori, Management. Il Dipartimento, diretto oggi da Frédéric Olivieri, oltre alla Scuola di Ballo, nata nel 1813, propone corsi per insegnanti di danza e corsi di propedeutica destinati a bambini fra i 6 e i 10 anni.

“William Forsythe, coreografo che ha dato nel Novecento un impulso straordinario alla trasformazione del balletto in arte contemporanea, qualche anno fa racchiuse l’idea della formazione dei danzatori in una visione: l’Accademia dei Curiosi.

Un’immagine vitale per la comprensione del passato e per la ricerca nel presente che ci piace pensare animi il percorso dei giovani allievi della Scuola di Ballo dell’Accademia del Teatro alla Scala.” Francesca Pedroni.

Fonte immagine: puntoelinea.leonardo.it

Il tutto reso possibile grazie alla collaborazione di una giuria di livello internazionale e di tanti sponsor (negli scorsi anni erano presenti ALCOTT, UFO e TRIBE ‘by Breil’) che renderanno l’evento ancor più prestigioso.

Il palco del Crazy Dance Contest ha visto il susseguirsi di grandi professionisti in qualità di giurati: il maitre de ballet al teatro alla Scala di Milano Ludmill Cakalli, Mariangela Lacquaniti (formatasi in Germania e Stati Uniti), Chantal Dardenne (ex ballerina dell’Operà de Paris che nella sua esperienza da danzatrice ha affiancato anche il grande Mikhail Baryshnikov), Roberto Carrozzino (ballerino di straordinaria duttilità ed esperienza lavorativa tra tv, concerti e musical, da 3 anni ha intrapreso parallelamente anche l’attività di coreografo con uno stile contaminato ed unico molto apprezzato dai migliori ballerini del palinsesto italiano).

Oltre a loro, come accaduto nelle ultime due edizioni, l’evento vedrà la partecipazione di una madrina d’eccezione: Martina Nadalini, ballerina professionista di Amici di Maria De Filippi, che presenterà e premierà gli allievi vincitori.

Anche Carla Fracci al Festival Ballet.

Il Concorso e Stage Internazionale della Danza si conferma appuntamento di riferimento per il popolo di danzatori di tutta Italia che si ritrova, dal 4 al 7 luglio, a Marina di Massa (Ms), per partecipare all’evento più divertente e pazzo dell’estate.

Universalmente riconosciuta come la più grande delle danzatrici del nostro paese, la storica ballerina del Teatro alla Scala è la madrina d’onore e giudice della settima edizione che sarà ancora una volta ospitata all’interno della verde cornice del Parco della Comasca, a pochi metri dalla dorata spiaggia della costa apuana.

Insieme alla Regina della Danza un cast stellare di docenti e presenter chiamati ad innalzare il tasso tecnico degli stage e della competizione.

Al Festival Ballet potrai ballare, imparare, conoscere, sudare, divertirti, condividere la passione per la danza con Giuseppe Carbone, Iride Sauri, Marco Pelle, Bruno Vescovo, Beatrice Carbone, Mauro Astolfi, Mia Molinari, Damiano Bisozzi, Catia Mancini, Gael Domenger, Serena Susani. E ancora, per l’hip hop Daniele Baldi, Sally Sly, Barbara La B., Alice Cimoroni, Gus Bembery, Massi, Ilenja Rossi e Michael Fields.

In palio, solo per i migliori, per i talenti veri, borse di studio, montepremi in denaro e pass esclusivi per importanti eventi e manifestazioni.

Al Festival Ballet il ballerino con più talento potrà partecipare, come artista ospite, e non come comune mortale, alla prossima edizione di Milano Danza Expo.

Prodotto da Simone Ranieri, già Direttore Generale del Salone Internazionale della Danza di Milano, il Festival Ballet porta in pista il solito e consolidato mix esplosivo di fattori “X” che lo hanno trasformato in un vero e proprio evento d’intrattenimento dove s’intrecciano la professionalità dell’academy, la spettacolarità del talent show e la spensieratezza del villaggio turistico tra spiagge, divertimento e rinomate località turistiche. Il Festival Ballet è anche vacanza!

Competition&Stage, l’altro grande evento del Festival Ballet dedicato al mondo urban con lezioni di poppin’, old and new style, wacking.

Fonte immagine: milanodanzaexpo.it

Vasco Rossi approda alla Scala con “L’altra metà del cielo”, uno spettacolo di danza, musica, teatro insieme, in omaggio alle figure femminili che sono state protagoniste di molte sue canzoni.

Il debutto è fissato per il 31 marzo con la prova generale prevista per il 30 marzo e proseguirà fino al 13 aprile. 13 canzoni del suo repertorio sono state arrangiate e registrate a Bologna dal maestro Celso Valli in chiave classica, miscelandola con le caratteristiche pop.

Il cantautore di Zocca aveva dato in anticipo, tramite la sua pagina ufficiale di Facebook, alcune informazioni:
‘Sto lavorando con Stefano Salvati alla stesura del “Libretto” e alla drammaturgia dello spettacolo di danza classica “L’Altra metà del cielo”.

Un balletto con tredici mie canzoni che La Scala ha deciso di produrre e mettere in scena affidando a Martha Clarke le coreografie.

Con Martha, newyorchese di fama internazionale sto in questi giorni definendo e stabilendo la filosofia, lo spirito e il significato della storia. Ne sarà tratto un album che rappresenterà una straordinaria rilettura delle mie canzoni’.

Verrà narrata una storia divisa in 4 parti che ripercorrono le fasi più importanti della vita: adolescenza, maturità, crescita e abbandono attraverso tre personaggi sulla scena Silvia, Albachiara e Susanna, nomi presi dal titolo di altrettante canzoni dell’artista.

E su questa nuova tessitura, ci sarà il corpo di ballo guidato da Martha Clarke, coreografa e regista poliedrica, pronta alla sperimentazione e alla ricerca di emozioni.

Lei esprime così il suo entusiasmo:
‘La voce di Vasco Rossi, che spazia dalla ruvidezza alla estrema dolcezza, mi ha colpito; la poetica delle sue canzoni rivela una dimensione personale, intima e allo stesso tempo universale: parlano di amore, perdita, conflitto, sensualità, crescita.

Il mio compito è interpretare queste parole e trovare una chiave visiva per esprimere il pensiero di Vasco sull’universo femminile. Ogni canzone ha una narrazione basata sulle sfumature emotive che vengono descritte; sono state riarrangiate per orchestra, ma la voce resta in primo piano.

Non si tratterà quindi di un balletto nella sua forma classica, piuttosto di uno spettacolo teatrale nel senso più completo del termine: c’è una drammaturgia, c’è una storia, ci sono tre protagoniste femminili che nello svilupparsi della loro esperienza, sentimentale e umana, evolvono e cambiano, crescono e portano con sé i segni di questi percorsi.

Sarà una visualizzazione – attraverso movimento, gestualità, danza, ma anche attraverso tutti gli elementi dell’allestimento, che prevede anche proiezioni – dell’universo femminile e delle donne descritte nelle canzoni.

Sono sempre più attratta dagli aspetti teatrali della danza: primo focus è raccontare la storia, trovare il cuore e la sensibilità del personaggio e lavorare per immagini, e verso una semplicità che spesso è più potente ed eloquente’.

“L’altra metà del cielo” vede impegnate tre coppie principali e un corpo di ballerini della Scala, dotati, generosi e pronti a mettersi in discussione con un metodo di lavoro diverso dal classico.

Fonte immagine: teatroallascala.org

Finalmente a BOLOGNA, sabato 10 marzo al Teatro Duse, la Limón Dance Company nella sua prima apparizione italiana.

Limón Dance Company ha visto nel 2008 i festeggiamenti per i cent’anni della nascita del suo fondatore José Limón, il grande coreografo americano d’origine messicana, le cui opere vengono annoverate tra i capolavori della danza americana.

Nel 2011 si è festeggiato il 65° anniversario della nascita della compagnia.

José Limón è tra le figure più rappresentative della modern dance americana. Le sue coreografie hanno espresso la dignità dell’uomo e la sua capacità di riscatto di fronte alle avversità, lasciando un’eredità artistica che parla ancora oggi, prepotentemente, all’intelligenza e alla sensibilità di chi ne venga in contatto.

La Limón Dance Company rappresenta l’eredità vivente della tecnica del movimento e della filosofia teatrale di José Limón e si fa portatrice dell’ideale artistico del suo fondatore perpetuandolo nel tempo e oltrepassando la morte dello stesso.

È per questo che oggi la Limón Dance Company è un esempio e un modello per tutto il mondo della danza.

Limón creò la compagnia nel 1946 insieme alla straordinaria danzatrice e coreografa, nonché sua insegnante, Doris Humphrey. Da allora i suoi spettacoli hanno fatto il giro del mondo, consolidandosi come una delle più importanti realtà della danza internazionale. La sua tecnica e la sua danza virile, dinamica, d’intensa espressività drammatica ha influenzato generazioni di artisti.

Al Teatro Duse, la compagnia presenta un repertorio che comprende i classici di Limón, come There is a time,The Moor’s Pavane (1949) che propone una particolare interpretazione dell’Otello di Shakespeare, Chaconne (1942), un celebre assolo capolavoro di Limón sull’omonima musica di Bach, e Dances For Isadora (1971) ricostruito da Carla Maxwell, attuale direttore artistico della compagnia (1970), una coreografia evocativa e di forte impatto emotivo.

Acclamata per la sua espressività teatrale e per la padronanza tecnica la Limón Dance Company è la dimostrazione della forza visionaria del suo ispiratore. Le composizioni di José Limón sono senza età e mantengono intatta la loro forza nel tempo.

Fonte immagine: exploredance.com

OPEN STAGE nasce per offrire a giovani talenti la possibilità di danzare coreografie di autori noti e di coreografi emergenti; è uno “spazio artistico” che vuol rendere “visibile” e favorire il percorso di crescita artistica dei danzatori e coreografi sul piano tecnico e… creativo

Danzatori non si nasce, lo si diventa coniugando ad uno studio qualificato la necessaria possibilità di sviluppare ed allenare talento e creatività, danzando e condividendo con una platea le proprie potenzialità.

Il percorso coreografico della danza contemporanea si avvale di un linguaggio espressivo fortemente legato alla ricerca personale.

Ogni autore sperimenta forti specificità sia tecniche che poetiche e il teatro è spazio di interscambio privilegiato tra l’artista, che esprime il fine ultimo della sua ricerca creativa, ed il pubblico che ama essere sollecitato da sinergie coreografiche innovative.

Il teatro quindi è il “luogo di conoscenza reciproca”.

Il teatro Sala 1 è lo scenario ideale per la danza, è un teatro suggestivo e di ottima visibilità per la complessità spaziale utilizzata nella coreografia contemporanea.

Fonte immagine: andreaballi.blogspot.com